Wie ich einmal den neuen Mad Max-Film nicht boykottierte

„Ja, ich bin ein Feminist“, erklärt gerade der Schauspieler Ryan Gosling im Magazin der Süddeutschen Zeitung (S. 20) und hat dafür auch eine überraschend einfache Begründung: „Frauen sind besser als Männer.“

 

Keine umständlichen Reden also darüber, dass es um Gleichberechtigung gehe und um eine Öffnung der Geschlechterrollen und dass all dies auch für die Männer gut sei – stattdessen kommt Gosling sympathisch-unbekümmert gleich zur Sache.

Skandalös ist seine Aussage trotzdem nicht. Gosling erklärt mit ihr nämlich seine eigene familiäre Erfahrung, nach der Mutter und Schwester im Unterschied zum Vater für ihn da gewesen seien. Es wäre allerdings hübsch, wenn sich nun aus Gründen der Symmetrie auch eine bekannte Schauspielerin zur Maskulistin erklären würde, weil schließlich Männer einfach besser wären als Frauen, irgendwie.

Deutlich schwerwiegender als solche persönlichen Einschätzungen sind politische Ideologien der Höherwertigkeit eines der Geschlechter, oder kulturelle Klischees, die ganz abgelöst von aller konkreten Erfahrung weiter transportiert werden.

Feministische Klischees eben dieser Art entdeckt der Blogger Aaron Clarey im vierten Mad Max-Film, Mad Max: Fury Road. Genauer: Er entdeckt sie in den Trailern des Films, da er den Film selbst nicht gesehen hat, aber prophylaktisch trotzdem schon einmal zu seinem Boykott aufruft.

 

 

Da nämlich die Figur des Max, so Clarey nach Ansicht der Trailer, hinter der Frauenfigur der Imperator Furiosa offenbar zur Staffage werde, da an dem Film die feministische Autorin Eve Ensler beteiligt gewesen sei, sieht der Blogger den Film als „feministisches Propagandastück“ (feminist piece of propaganda), als „Trojanisches Pferd“ (Trojan Horse) und als Vehikel, mit dem den Zuschauern eine Lektion in Feminismus in den Hals gestopft werde (to force a lecture on feminism down your throat).

Darauf antwortet sogleich der feministische Blogger David Futrelle, der den Film ebenfalls nicht gesehen hat und der nun einen noch längeren Text darüber verfasst – um ihn gegen „diese Arschlöcher“ (these assholes) zu verteidigen. In weiteren Texten legt Futrelle nach und macht sich beispielweise über die „Mann-Babies mit Anspruchshaltung“ (entitled manbabies) lustig, die sich durch starke Frauenfiguren in einem Film bedroht fühlen würden.

Diese von beiden Seiten unseriös geführte Auseinandersetzung über einen ungesehenen Film hätte einfach eine von vielen Internet-Absurditäten bleiben können – wenn etablierte Medien sie nicht in großer Zahl aufgegriffen und aufgeregt über die Wut von „Männerrechtlern“ über den neuen Mad Max-Film und über Boykottaufrufe gegen ihn berichtet hätten.

Woher aber kommt eigentlich diese Aufregung?

 

Um das beantworten zu können, habe ich mir – auch wenn das in engagierten Geschlechterdebatten über einen Film möglicherweise als ungewöhnliche und unverständliche Idee erscheinen mag – erst einmal den Film angesehen.

Die Produktion von Feindschaft

Die Bundesministerin Manuela Schwesig präsentiert den SAT1-Film Die Ungehorsame

Luise F. Pusch, die „Heldin der feministischen Sprachkritik“, hat bekanntlich gerade wegen eines bei der Emma publizierten Textes einen „Shitstorm“ erlebt. Anja Krüger dazu in der taz:

„In ihrer Glosse fragt sie sich, warum die Verantwortlichen bei der Lufthansa nicht auf die Frauenquote als Vorbeugung gegen Suizid-Abstürze kommen.“

Wie jemand überhaupt auf die bescheuerte Idee kommen kann, über den gewaltsamen, offenbar massenmörderischen Tod von 150 Menschen sogleich eine „Glosse“ zu verfassen, fragt Frau Krüger nicht.

Die heftige Kritik, die nicht nur die taz modisch als „Shitstorm“ bezeichnet, hatte Pusch redlich mit dem Versuch verdient, sich aus dem Tod dieser Menschen schnurstracks ein Argument für Frauenquoten zu basteln. Dass sie sich das Leid in dieser Form nutzbar macht, ist aber nicht das einzige, vielleicht noch nicht einmal das schlimmste Problem ihres Textes. Sie schreibt:

„Die Selbstmordquote (…) ist bei Männern viermal so hoch wie bei Frauen. Die Lufthansa könnte also das Risiko, dass ihre Piloten das Flugzeug zu Selbstmord und vielfachem Mord missbrauchen, mit jeder Frau, die sie zur Pilotin ausbilden, ganz erheblich reduzieren.“

Männer bringen sich vielmal häufiger um, als Frauen dies tun – die Wahrscheinlichkeit, dass ein heute geborener Junge sich im Laufe seines Lebens umbringen wird, ist also mehrfach größer als bei einem gleichzeitig geborenen Mädchen. Das aber interessiert die Heldin der feministischen Sprachkritik überhaupt nicht, sie fragt auch nicht nach den Gründen – sie versucht lediglich, aus dem Tod von Männern und Jungen wie aus dem Tod der Passagiere Vorteile zu ziehen.

Wie aber ist die Inhumanität überhaupt möglich, die den Text der Sprachheldin so tief prägt? Das lässt sich nachvollziehen an einem anderen Medienereignis der vergangenen Tage: einem Film, den die Emma sogleich als „absolut sehenswert“ anpries, an dem die Bundesfamilienministerin Manuela Schwesig intensiv beteiligt war, der aber anders als Puschs Artikel nicht zu einem Skandal geworden ist. Zu Unrecht, übrigens.

So endet die Dokumentation Verdammt verliebt zu häuslicher Gewalt, die den SAT1-Film Die Ungehorsame begleitet. Jedes Geschlecht bekommt hier, was es braucht: Die Frauen ein exklusives Hilfetelefon, die Männer eine Täterhotline.

„Die Ungehorsame“, heißt der Film  – ein Film über häusliche Gewalt, der am 31. März bei SAT 1 gezeigt wurde.

Nichts gelernt? Die Sexualpädagogik und die Verbrechen im Odenwald

Was Christoph Freys Fernsehfilm „Die Auserwählten" mit heutigen Debatten um Sexualität und Schule zu tun hat
 

„Was die Kinder wollen, fragt keiner. Bei den Massagen für Zehnjährige, Stichwort ‚Gänsehaut’, genügt laut Anweisung jedenfalls dünne Kleidung, damit der unterschiedliche Druck und die verschiedenen Streichrichtungen auch erspürt werden können. Dabei dürfen verschiedene Massagetechniken angewendet werden, auch ‚vorgezeigt durch die Leitung’. Von außen sollte der Raum nicht einsehbar sein, empfehlen die Autoren.“

So beunruhigt berichtet Antje Schmelcher in der Frankfurter Allgemeinen Sonntagszeitung über eine Methode der Sexualpädagogik der Vielfalt, die von der Kasseler Professorin Elisabeth Tuider und anderen entwickelt wurde (im Volltext kann die Methodensammlung hier gelesen werden). Schmelcher: 

„Die sexuelle Aufklärung missachtet Grenzen. Die Politik will es so. Kinderschützer schlagen Alarm.“

Demonstrativ irritiert gibt sich auch Jan Fleischhauer im Spiegel: 

„Ich ging bislang davon aus, dass Kinder im Aufklärungsunterricht vor allem etwas über Verhütungsmittel lernen, um ungewollte Schwangerschaften zu vermeiden. Ich wäre nie auf die Idee gekommen, dass offenbar auch die Einübung in Sexualtechniken, die selbst vielen Erwachsenen fremd sind, zum Unterrichtsstoff gehört."

Alexander von Beyme wiederum kritisiert wiederum Schmelchers Artikel scharf. Sie habe Textpassagen aus dem Zusammenhang gerissen und entstellt. Zur oben zitierten Textstelle schreibt er beispielsweise:

„Die Autorin will den Eindruck erwecken, dass sich hier Kinder gegenseitig stimulieren. Wer die Übung auf Seite 178 nachschlägt, stellt fest, was Schmelcher hier schon wieder unterschlagen hat: Die Kinder berühren sich nicht mit den Händen, sondern streicheln sich mit unterschiedlichen Materialien wie Wolle, Federn, Tennisbälle. Es geht darum, Köperreize wahrzunehmen und hinterher darüber sprechen zu können, was als angenehm oder eher unangenehm empfunden wird.“

Doch auch von Beyme selbst zitiert selektiv und entstellend und legt Schmelcher Formulierungen in den Mund, die nicht von ihr stammen. Sie versuche beispielweise, den Vorstand der Gesellschaft für Sexualpädagogik Uwe Sielert zu diskreditieren, der mit Elisabeth Tuider zusammengearbeitet hat.

„Er wird in die Nähe des verstorbenen Professors Kentler gerückt (‚väterlicher Freund’ Sielerts) , dem posthum eine Verharmlosung von Pädosexualität vorgeworfen wird.“

Kentler hatte beispielweise Jugendliche bei ihm bekannten Päderasten untergebracht. Die Formulierung, er sei „väterlicher Freund“ Sielerts gewesen, kommt in Schmelchers Text allerdings überhaupt nicht vor, sondern stammt aus einer 2009 veröffentlichten Festschrift für Sielert, die unter anderem ausgerechnet von Elisabeth Tuider herausgegeben wurde. Dort hatte diese Formulierung ganz eindeutig nicht den Sinn, Sielert zu diskreditieren.

 

 

Die Diskussion ist auch deswegen festgefahren, weil einige Vertreter beider Seiten mit Vorliebe das wahrnehmen, was in ihr Bild passt. Vor dem Hintergrund aber, den Schmelcher, von Beyme und auch Amendt ansprechen, lässt sich genauer fragen, warum sie eigentlich so aufgeladen ist und so aufgeregt geführt wird. 

 

Denn: Was eigentlich haben eine sich progressiv gebende Sexualpädagogik und die Politik, die sie unterstützt, aus den ungeheuren Skandalen der letzten Jahre und Jahrzehnte gelernt – aus den systematischen und systematisch vertuschten Verbrechen an der Odenwaldschule oder aus den Pädaophilieunterstützung der frühen Grünen? Es lohnt sich ein Blick auf einen Film, den die ARD am 1. Oktober 2014 ausgestrahlt hat und der den sexuellen Missbrauch an der ehemaligen Vorzeige-Reformschule zum Thema hat: Christoph Freys Die Auserwählten.

Wie Jungen zu Männern und Erwachsene zu Kindern werden - Richard Linklaters "Boyhood"

Über Richard Linklaters Film Boyhood schreibt Jochen Bordwehr in der taz:

„Das Leben eines Jungen interessiert Linklater, weil er wissen möchte, wie jemand ein Mann wird. Da dies nur in Gesellschaft möglich wird, sehen wir gleichzeitig, wie noch eine ganze Reihe anderer Menschen etwas wird: Die Zeit verändert alle.“

Das legt den Gedanken an einen klischeehaften Film nahe: Wir werden nicht als Mann geboren, wir werden dazu gemacht – wir werden dabei natürlich vom sozialen Umfeld geprägt – und mehr noch, nichts bleibt, wie es war, und die Zeiten ändern sich. Das aber täuscht. Der fast drei Stunden lange Film ist wesentlich differenzierter, ist zugleich unspektakulär und packend, und er führt tatsächlich vor, wie ein Junge zum Mann wird. Aber eigentlich geht es darum, wie Kinder erwachsen werden in einer Welt, in der die Eltern selbst nicht recht wissen, was dieses „Erwachsensein“ eigentlich ist.
 

 

Und: Es ist ein Film, der beiläufig und nachhaltig Zweifel daran wecken kann, ob Klischees gegenwärtiger geschlechter- und familienpolitischer Debatten eigentlich über ihre mediale Verwertung hinaus und für das Leben von Menschen eine ernstzunehmende Bedeutung haben.

„Lasst das mal den Papa machen“. Der „Stromberg“-Film ist sexistisch: Fragt sich nur, gegenüber wem

– Gastbeitrag von Johannes Meiners –

 

 

Johannes Meiners' Filmkritik über den Stromberg-Film und seine „Großmannsucht" setzt sich auch mit Figuren einer Fernsehserie auseinander, die ich  früher während der ersten Staffeln einmal gern gesehen habe. Ich fand sie witzig, bin dann aber irgendwann ausgestiegen – warum, weiß ich nicht einmal mehr. Doch auch angesichts der Sympathie für die Serie überzeugt mich die Kritik, die Johannes Meiners an dem Film übt. Viel Spaß dabei!  Lucas Schoppe

 

 

Bernd Stromberg ist zurück: Noch ein Mal – als Kinofilm. Die Büro-Satire spielt im (vermeintlichen) Alltag europäischer Durchschnittsbürger, in diesem Falle Versicherungsangestellter in Nordrhein-Westfalen. So viel vorweg: Ich teile die Ansicht des Schauspielers – und Hauptdarstellers – Christoph Maria Herbst, wonach „Stromberg“ auserzählt sei).

 

Die Finanzierungsprobleme rund um den Film konnten durch zahlende, am Ende alphabetisch entlang ihrer Vornamen aufgelistete, fast nur männliche Fans offenbar gelöst werden. Die Produktion hält gleichwohl einige Lacher bereit, die durchaus hörenswert sind. Ähnliches gilt für das Bildmaterial mit der ein oder anderen überraschenden Sentenz. Herbst selbst spielt neuerlich stark auf. Ohne ihn wäre die Satire wie der frühere Krimi „Derrick“ ohne Derrick – oder „Wetten, dass…“ ohne Thomas Gottschalk.

Der vorliegende Text ist keine „gewöhnliche“ Rezension eines aktuellen künstlerischen Ergusses. Nein, es geht um eine dezidiert maskulistische Filmkritik: Im Mittelpunkt steht die Darstellung des Geschlechterverhältnisses. Und daran gibt es aus dieser Sicht eine Menge zu deuteln. Die folgenden Zeilen erheben daher in alle Richtungen keinen Anspruch auf Vollständigkeit.

Ist Stromberg wirklich „sexistisch“? Laut Teaser der Werbung für den Film: JA.

Er reiße rassistische und sexistische Witze. Dass dies ein für weiße, heterosexuelle Männer geradezu konventionelles Verhalten ist, scheint im Teaser nicht mal einen erläuternden Halbsatz wert zu sein. So selbstverständlich wirkt die Annahme wohl aus Sicht derer, die sie formulierten.

Dem Autor dieser rezensierenden Zeilen zufolge lautet die Antwort ebenfalls: JA.

Viele Verlierer, wenige Gewinner und ab und zu ein Märchen - "Inside Llewyn Davis" und "Searching for Sugar Man"

Hätte mir nicht ein Freund eine DVD ausgeliehen und mir dringend empfohlen, sie anzusehen, dann hätte ich eines der wichtigsten Film-Ereignisse des Jahres glatt verpasst: Searching for Sugar Man, ein schwedisch-britischer Dokumentarfilm des zuvor unbekannten Regisseurs Malik Bendjelloul aus dem Jahr 2012 wurde bei den Academy Awards im Januar mit dem Oscar für den besten Dokumentarfilm ausgezeichnet. Eigentlich schafft der Film sich sein eigenes Genre, das eines Doku-Märchen-Films – nachdem ich ihn gesehen hatte, habe ich erst einmal das Internet durchsucht, um herauszufinden, dass die dort gezeigte Geschichte tatsächlich wahr ist.

Der Film ist in überraschend vielen Aspekten vergleichbar mit einem Spielfilm, der gerade erst in den Kinos angelaufen ist: Inside Llewyn Davis von Joel und Ethan Coen.  In beiden Filmen geht es um erfolglose Musiker aus einer gerade vergangenen Zeit, die aber versuchen, ihrer Idee von Musik treu zu bleiben – beide kontrastieren die radikale Erfolglosigkeit mit einem gigantischen Erfolg – und beide stellen einen direkten Bezug zu einem der wichtigsten Musiker des zwanzigsten Jahrhunderts her, zu Bob Dylan. Vor allem aber sind beides Filme über Männer, die vieles über männliches Leben deutlich machen und die gängige Klischees über Männerleben ins Leere laufen lassen.

Übermensch in Unterwäsche - Alfonso Cuaróns "Gravity"

Schon kurze Zeit nach seinem Start wird dieser Film als Kinoereignis des Jahres gehandelt. „Gravity“, mit Sandra Bullock und George Cloney, ist für Daniel Kothenschulte in der Welt „der betörendste Science-Fiction-Film seit langem“, gilt, so der Spiegel, bereits „kurz nach dem Start (…) als neuer Science-Fiction-Klassiker, bricht alle Kassenrekorde“, wird dort sogleich „zum neuen Kinoklassiker“ erklärt und als „zutiefst sinnliches Erlebnis“ gefeiert:

„Dieser Film reißt einem den Boden unter den Füßen weg“.

„‘Gravity‘ ist Kino der Zukunft“, verkündet gar Fritz Göttler in der Süddeutschen Zeitung.

Hier in den Kommentaren wurde der Film ein wenig anders bewertet:

„Sandra Bullock wir dort als die Superfrau dargestellt, die sich im Weltall rettet und alle Hindernisse meistert. Dieses Motiv der Superfrau tritt in sehr vielen neuen Hollywood-Produktionen auf, z.B. in Ridley Scotts 'Prometheus' oder in den Resident-Evil-Produktionen mit Milla Jovovich. Diese Filme vermitteln die Botschaft 'Frauen können es auch' oder 'Frauen können es noch besser'."

Männer hingegen seien, so ein späterer Kommentar,  

„in solchen Filmen nur dazu da, Frauen zuzuarbeiten, sich für Frauen zu opfern".

Was denn nun? Kino der Zukunft oder misandrisches Machwerk? Ist es überhaupt sinnvoll, Gravity im Hinblick auf die Darstellung von Weiblichkeit und Männlichkeit zu interpretieren, nur weil eine Frau und ein Mann fast die einzigen Akteure des gesamten Films sind? Wäre der Film beispielsweise ebenso möglich, wenn zwei Männer im Zentrum stünden?

Warum ein Messias uns auch nicht weiterhilft - Neil Blomkamps „Elysium“

Vom „smartesten und subversivsten Sommer-Blockbuster“ und vom „linksliberalsten Sommer-Blockbuster“ spricht Andreas Bocholte im Spiegel. Als gekonntes Action-Spektakel mit linkem politischem Anliegen beschreibt auch Dietmar Dath in der FAZ den Film, der wirke wie die

„paradoxe Erfindung eines hollywoodgeschulten sowjetischen Propagandafilms für heute oder die James-Cameron-Überarbeitung des ‚Bitterfelder Wegs‘ im Sozialistischen Realismus.“

Eine „115 Millionen Dollar schwere marxistische Polemik“ („a 115 million $ Marxist polemic“) sei der Film, über dessen Abspann eigentlich die „Internationale“ gespielt werden könnte, schreibt gar ein irischer Kritiker.

 

 

Tatsächlich ist Neil Blomkamps „Elysium“ unübersehbar eine politische Allegorie und spiegelt in seinem Szenario einer Zukunft in der Mitte des 22. Jahrhunderts heutige Zustände. Bocholte beendet seine Rezension ebenso euphorisch wie bitter:

„Viel zu selten sieht man zurzeit so leidenschaftlich inszeniertes Zukunftskino. Dabei, sagt Blomkamp, sei ‘Elysium’ gar keine Science-Fiction: ‘This is today. This is now.’"

Der böse, fremde Sohn - Lynne Ramsays "We Need To Talk About Kevin"

„Mami war glücklich bevor der kleine Pinkel-Kevin dazukam, weißt du das? Jetzt wacht Mami jeden Morgen auf und wünscht sich, sie wäre in Frankreich.“ („Mummy was happy before widdle Kevin came along, you know that? Now Mummy wakes up every morning and wishes she was in France!”)

Der etwa zweijährige Kevin steht noch im Laufstall und hat gerade sein Essen an eine Wand geschmissen, als seine Mutter, die Reisejournalistin Eva Khatchadourian (Tilda Swinton), ihm eindringlich erklärt, dass er eine Belastung für sie sei und ihr Leben ohne ihn wesentlich glücklicher gewesen sei. Der Ehemann, Franklin (John C. Reilly), wird Zeuge der kurzen mütterlichen Rede, schüttelt den Kopf, sagt aber nichts.

Die Szene bündelt verschiedene Aspekte des am Ende des britisch-amerikanischen Films „We Need To Talk About Kevin“ der schottischen Regisseurin Lynne Ramsay, der am Ende des vergangenen Jahres in die Kinos kam. Die Autorin des gleichnamigen, dem Film zu Grunde liegenden Romans beschreibt im Nachwort, dass das Buch am „Schnittpunkt privater und allgemeiner Angst“ („intersection of private und public angst“, S. 473 ) entstanden sei – ihrer eigenen Angst vor der Mutterschaft und dem damit verbundenen Verlust an Freiheit sowie der öffentlich diskutierten Angst vor „school shootings“, Schulmassakern.

 

 

Entsprechend besteht der Film eigentlich aus zwei Filmen – einem über Eva, der die Idee der Mutterschaft ein Greuel ist, die gleichwohl einen Jungen und ein Mädchen bekommt und deren Beziehung zum Sohn massiv belastet ist – und einen über diesen Sohn Kevin, der schon als Kleinkind ein geborener Terrorist zu sein scheint und der schließlich in einem Schul-Massaker mehrere Mitschüler sowie daheim seine Schwester und seinen Vater tötet. Beiden Filmen tut die Kombination miteinander nicht gut – gleichwohl ist „We Need to Talk About Kevin“ insgesamt ein wichtiges, aber auch sehr beunruhigendes Beispiel dafür, wie problematisch und verantwortungsfern Erwachsene männliche Kinder und Jugendliche vor dem Hintergrund gängiger Geschlechterklischees wahrnehmen.

Naturliebe und Männerhass - Julian Pölslers "Die Wand"

Es ist gut, dass Julian Roman Pölslers Verfilmung von Marlen Haushofers 1963 erschienenen Kultroman „Die Wand“, die im Oktober des vergangenen Jahres in die Kinos kam, nun auf DVD erhältlich ist: Ich habe mir den Film so zu Hause anschauen können, bin ungefähr fünf Mal dabei eingeschlafen und hätte im Kino also möglicherweise nur 20 Minuten des Filmes gesehen. Nun jedoch konnte ich jeweils wieder bei der letzten Stelle starten, an die ich mich noch erinnerte. Als ich wieder wach war, fiel mir zudem auf,  dass der Film auch als eine politische Metapher verstanden werden kann, die gerade im Hinblick auf Männer- und Jungenrechte sehr interessant ist.

Die Geschichte, soweit es im Film eine gibt, ist schnell erzählt: Eine Frau (Martina Gedeck) fährt mit einem befreundeten Paar auf deren Berghütte, und als die Freunde Richtung Tal in ein kleines Dorf gehen, bleibt sie mit dem Hund zurück. Am nächsten Morgen sind die Freunde noch immer nicht wieder da – sie sucht sie und stößt auf dem Weg ins Dorf an eine unsichtbare Wand, die ihr kein Durchkommen erlaubt. Diese Wand umschließt sie offenbar auf allen Seiten, und sie ist allein mit den Tieren in ihrer abgesonderten Bergwelt. In der Welt draußen hat sich währenddessen ein großes Unglück ereignet: Das Radio empfängt keine Musik mehr, niemand – auch keiner der Freunde – sucht nach der Frau, und ein älteres Paar auf einem nahen, aber auf der anderen Seite der Wand gelegenen Hof wirkt wie versteinert.

 

 

Offenkundig hält die Wand die Frau also nicht nur gefangen, sondern schützt sie auch vor den Folgen einer Katastrophe. Im Innern des von der Wand begrenzten Bereichs behauptet sich die Frau, ernährt sich durch verbleibende Vorräte, durch Pflanzen und durch die Jagd, und vor allem sorgt sie für Tiere: für den Hund Luchs, zu dem sie ein sehr enges Verhältnis entwickelt, die trächtige Kuh Bella (die bald einen jungen Stier zur Welt bringt), für Katzen. Auf einer Alm merkt sie, dass sie zu einer Einheit mit der ihr umgebenden Natur findet, in der ihr das, was ihr zuvor wichtig schien – insbesondere der Wunsch, sich von anderen zu unterscheiden – bedeutungslos vorkommt.

In die einsame Idylle aber bricht nach einigen Jahren jemand ein: Ein Mann tötet den jungen Stier mit einer Axt, und als die Frau ein Gewehr holt, tötet er auch den Hund Luchs, der ihn angreift. Die Frau erschießt den Mann, begräbt Luchs tief erschüttert und rollt die Leiche des Mannes einen Abhang herab.

Weit oberhalb der Grunzlautschwelle, oder: Warum das Bundesforum Männer öfter ins Kino gehen sollte

Im Hinblick auf die Gleichstellungsarbeit schreibt das „Bundesforum Männer“ in seinen „Wahlprüfsteinen": „Wir sprechen uns gegen ein Entweder-oder aus und wünschen uns ein Sowohl-als-auch.“  Nun hat es bekanntlich in der Gleichstellungspolitik niemals „Entweder Männer oder Frauen“-Strukturen gegeben, sondern lediglich ein klares „Entweder Frauen oder gar nichts“. In dem Satz wird also eine Tendenz deutlich, die den gesamten Text der Wahlprüfsteine prägt: Das Bundesforum zeigt sich durchaus bemüht, spezifische Interessen von Männern oder Jungen zu vertreten, vermeidet aber sorgfältig schon den Anschein einer Kritik an herkömmlichen, gegenüber Männerinteressen blinden Strukturen der Geschlechterpolitik. Bezeichnend ist etwa, dass das Bundesforum die Probleme von Vätern vor allem als abstrakte „Vereinbarkeitsprobleme“ beschreibt und verschweigt, dass die wesentlichen Einschränkungen der Rechte von Vätern auf das Konto von Lobbyistinnen und Politikerinnen gehen.

Schlimmer noch aber ist eine Gegenüberstellung von „traditioneller“ und „moderner“ Männlichkeit, die regelrecht diffamierende Züge trägt (mehr dazu auch bei Kritische Wissenschaft). Schon der erste Satz des Textes lautet: „Jungen, Männer und Väter stehen vor großen Herausforderungen. Traditionelle Rollenmuster passen vielfach nicht mehr zu heutigen Anforderungen und Bedürfnissen.“ Ganz im Sinne der Diagnose, die etwa Hanna Rosin in ihrem Buch vom „Ende der Männer“ gestellt hat, und ganz im Sinne auch einer sogenannten „antisexistischen Jungenpädagogik“ sind also nicht etwa politische Bedingungen, sondern „traditionelle Rollenmuster“ für Männer und Jungen problematisch. Was mit den „traditionellen Mustern“ gemeint ist, skizziert das Bundesforum ausgerechnet im Zusammenhang mit der Verletzbarkeit von Männern, die nicht im Interesse der Männer selbst ernst genommen soll, sondern im Interesse anderer: „Nur so können traditionelle Männlichkeitsrollen erweitert, kann erlerntes gewalttätiges Verhalten hin zu einer gewaltfreien Sozial- und Konfliktkompetenz verändert werden.“ So sind sie, die traditionellen Männer: sozial unterbelichtete Simpel, deren Problemlösungskompetenz normalerweise aus nichts anderem als einem gezielten Faustschlag auf die Nase des Gegners besteht. So fordert das Bundesforum dann auch eigentlich keine Aufmerksamkeit für spezifische Probleme von Männer und Jungen, sondern Unterstützung für Männer bei der Umwandlung von traditioneller zu moderner Männlichkeit – von gewalttätigen, engstirnigen Reaktionären, die sich kaum oberhalb der Grunzlautschwelle verständigen können, hin zu liebevollen Partnern und Vätern, die kommunikativ kompetent genug sind, um die offizielle Geschlechterpolitik nicht zu kritisieren.

Dass aber diese Gegenüberstellung einer traditionellen und einer modernen Männlichkeit zu holzschnittartig ist, dass sie zudem die als „traditionell“ identifizierte Männlichkeit diffamiert, ist eigentlich schon längst bekannt. Schon seit Jahrzehnten spielen beispielsweise Filme mit verschiedenen Männlichkeitsbildern, die den Mustern des Bundesforums ungefähr entsprechen, sie aber ganz anders interpretieren. An drei Beispielen neuerer Klassiker des britischen Films lässt sich das zeigen.

Wie Spider-Man an lauter Väter kam (und sie gleich wieder verlor) - Marc Webbs "The Amazing Spider-Man"

„Mal ehrlich - wen interessiert das?“ fragte die Süddeutsche Zeitung skeptisch, als im vergangenen Jahr ein neuer Spider-Man-Film in die Kinos kam, der die Geschichte wieder einmal von vorn erzählte, die gerade erst von Sam Reimi und seinen Spider-Man-Filmen erzählt worden war.  „Zehn Jahre sind auch in der Ära des Aufmerksamkeitsdefizitsyndroms eine kurze Zeitspanne für ein Remake,“ kommentiert die Zeit dazu. Aber da wird schon deutlich: Es interessiert viele – die Superhelden-Populärkultur ist längst im klassischen Feuilleton angekommen, und die großen Zeitungen und Magazine stehen Spalier, wenn ein neuer Spider-Man Film erscheint – auch der Spiegel, dessen Rezensent den Film „absolut sehenswert“ findet, oder die FAZ , die Spider-Man selbstverständlich mit Kafkas Gregor Samsa vergleicht, der bekanntlich eines Morgens aus unruhigen Träumen erwachte und sich in ein ungeheures Ungeziefer verwandelt sah.

Die Zeiten, in denen Comics und Comic-Verfilmungen als Schund galten, sind längst vorbei. Gründe dafür erläutert beispielsweise der amerikanische Philosoph Richard Shusterman in seinem Buch „KunstLeben. Die Ästhetik des Pragmatismus“, in dem er sich  mit einer Reihe von Argumenten auseinandersetzt, die populäre Kunst für minderwertig erklären. Kritiker führten beispielsweise häufig das Argument an, dass Kunst, die für ein breites Publikum gemacht ist, dabei einen notwendigerweise kleinen gemeinsamen Nenner finden müsse, also qualitativ nicht hochwertig sein könne. Shustermann entgegnet, dass populäre Kunst, gerade weil das angesprochene Publikum keineswegs eine homogene Masse sei, sich in ganz verschiedenen Kontexten und im Rahmen ganz verschiedener individueller und sozialer Erfahrungen sinnvoll verstehen lassen müsse. (S. 140 ff ) Sich mit einem Film wie „The Amazing Spider-Man“ auseinanderzusetzen, stülpt also nicht einfach mehr oder weniger intellektualisierende Interpretationen über einen Film, der doch eigentlich nur ganz unschuldig zur Unterhaltung gedacht war. Der Film kann ja gerade deshalb unterhalten, weil er an die Erfahrungen vieler anknüpft, sie verwandelt und für sie überzeugende Bilder findet.

 „Der ‚Reboot‘ der früheren "Spider-Man"-Filme fügt der Titelfigur keine originellen Ideen oder Ausdeutungen hinzu“, schreibt das 2001-Filmlexikon über die neue Verfilmung. Das stimmt nicht. „The Amazing Spider-Man“ rückt ein Thema regelrecht obsessiv in den Mittelpunkt und deutet es wieder und wieder auf neue Weise aus, das in den vorherigen Verfilmungen eher ein Thema für die Nebenhandlung war: die Bedeutung von Väterfiguren.

Wie friedfertige Erwachsene gewalttätige Jungen produzieren - Susanne Biers "In einer besseren Welt"

„Hin zu einer maskulistischen Filmkritik“ möchte Arne Hoffmann und hat auf Genderama zu diesem Zweck bereits den Dokumentarfilm „The Central Park Five“ von Ken und Sarah Burns  und Joseph Kosinskis „Oblivion“ (mit Tom Cruise)  analysiert. Für mich ist dieser Ansatz sehr reizvoll, und so habe ich mir einmal zwei ganz unterschiedliche neuere Filme aus ganz unterschiedlichen Genres noch einmal angeschaut und überlegt: Hilft es bei der Interpretation dieser Filme, darauf zu achten, welchen Blick auf Männer und Jungen sie einerseits werfen, wie sie andererseits aber auch spezifisch männliche Perspektiven wiedergeben?

Susanne Biers Film „In einer besseren Welt“ (der dänische Originaltitel „Hævnen“ bedeutet, wörtlich übersetzt, „Rache“) wurde 2011 mit dem Oscar für den besten fremdsprachigen Film ausgezeichnet und kam im selben Jahr in die deutschen Kinos. Einige Interpretationen, zum Beispiel die der deutschen Wikipedia, konzentrieren sich auf das im Originaltitel angedeutete Problem der Rache und verstehen den Film als eine Auseinandersetzung mit dem Problem, wie Menschen auf Gewalt reagieren können. Die Wikipedia spitzt dies sogar auf die Frage zu: „Entscheidet man sich für das Alte Testament und fordert Rache (Auge für Auge) oder orientiert man sich am Neuen Testament und dessen pazifistischem Ansatz und hält die andere Wange hin?“ – eine Gegenüberstellung, die nicht nur klischeehaft und problematisch ist, sondern die auch den Film verfehlt.

Seine größte Stärke gerät dabei ganz aus dem Blick: In einer enorm differenzierten, überzeugenden und auch fairen Weise setzt er sich mit dem Verhältnis von Erwachsenen und männlichen Jugendlichen auseinander, und er tut dies so eindrücklich, dass jemand, der sich mit Jungenpädagogik beschäftigt, an „In einer besseren Welt" eigentlich nicht vorbei kommt.

Wie anständige Menschen zu Ungeheuern werden - Thomas Vinterbergs "Die Jagd"

Zu Beginn von Thomas Vinterbergs Film „Die Jagd“, der am 28. März in den Kinos angelaufen ist, springt der vierzigjährige Lucas (Mads Mikkelsen) geistesgegenwärtig in einen eiskalten spätherbstlichen See, um einem Freund zu helfen – unter dem fröhlichen Jubel seiner anderen Freunde und mit Van Morrisons beschwingten „Moondance“ im Hintergrund. Wenige Wochen später ist Lucas isoliert, hat seine Arbeit verloren, seine Ex-Frau verweigert ihm den Kontakt zu seinem Sohn, im Einkaufsladen des kleinen dänischen Ortes, in dem er lebt, erklärt ihn zur unerwünschten Person, sein bester Freund Theo droht, ihm eine Kugel in den Kopf zu schießen, und nur noch der Pate seines Sohnes Bruun und seine Geliebte Nadja (Alexandra Rapaport) halten zu ihm. Er wird zusammengeschlagen, ins Gefängnis geworfen, sein Hund wird vergiftet.

Zwischen beiden Szenen liegt eine Entwicklung, die durch eine Aussage der fünfjährigen Klara (Annika Wedderkopp) ausgelöst wird. Lucas arbeitet in einem Kindergarten, betreut dort auch Klara, die Tochter von Theo und dessen Frau Agnes, und kümmert sich häufig um sie, bringt sie beispielsweise nach Hause, wenn ihre Eltern streiten oder so viel mit sich selbst zu tun haben, dass sie ihre Tochter aus den Augen verlieren. Als Klara ihm beim Spiel im Kindergarten kurz einen Kuss auf den Mund gibt und wenig später ein selbstgemachtes Herz schenkt, hat Lucas den Eindruck, die Situation klären zu müssen – er empfiehlt Klara, das Herz doch lieber einem Jungen zu geben, und sagt ihr außerdem, dass es unpassend wäre, wenn sie ihm auf den Mund küsst. Verletzt erzählt Klara später der Kindergartenleiterin Grethe, dass sie Lucas nicht ausstehen könne, und dass er ihr sein Geschlechtsteil gezeigt habe, das aufrecht gestanden hätte – ein Bild wie dieses hat sie noch von einem pornografischen Foto vor Augen, dass ihr kurz zuvor ein Freund ihres älteren Bruders für wenige Momente gezeigt hatte. Grethe reagiert, schaltet ihren Freund Ole ein, der Klara befragt und empfiehlt, die Polizei und die anderen Eltern zu informieren.

Es ist eine der Grundentscheidungen des Films, dass wir als Zuschauer von Beginn an informiert sind – wir wissen, das Lucas unschuldig ist. Damit sind wir anders als die Personen im Film kein Teil der Dynamik des Verdachts und der Unterstellungen, sondern können uns gleichsam den Mechanismus dieser Entwicklung von außen anschauen. Wie der Film diesen Mechanismus vorführt, ist eindrucksvoll.

James Dean und die fehlenden Väter

„You’re tearing me apart!“ schreit der von James Dean gespielte Teenager Jimmy Stark in der Eingangsszene von Rebel Without a Cause (dt. „..denn sie wissen nicht, was sie tun“, uraufgeführt 1955) seine Eltern und seine Großmutter an. Er ist verzweifelt angesichts der Tatsache, dass die Erwachsenen sich kaum um ihn kümmern, als sie ihn in seinem volltrunkenen Zustand nachts auf einer Polizeistation abholen müssen, sondern untereinander in einen Disput darüber geraten (und Jimmy schreit in eben dem Moment auf, als sich auch noch die Großmutter, die Mutter des Vaters, einschaltet).

Ich habe den Film vor Kurzem wieder gesehen, weil ich ihn einer Schulklasse vorgespielt hatte – wir hatten im Unterricht über das Verhältnis der Generationen gesprochen, und dazu passte er. Außerdem hatten die Schüler mich dadurch provoziert, dass fast alle von ihnen sagten, sie würden James Dean nicht kennen – und das kann eine verantwortungsvolle Lehrkraft so natürlich nicht stehen lassen. Obwohl heute einiges in dem Film natürlich altertümlich wirkt – ein vergleichsweise langsames Erzähltempo oder die Tatsache, dass Jugendliche als Ausweis ihres Rebellentums Swing-Musik hören – hatten die Schülerinnen und Schüler der Gruppe das Gefühl, dass vieles in dem Film noch aktuell ist. Und auch ich war überrascht davon, wie viele heute aktuelle Themen in diesem Film durchgespielt werden. Das betrifft insbesondere die Art und Weise, wie Männer hier dargestellt sind – und die zentrale Bedeutung der Väterfiguren. Der Film ist ein gutes Beispiel dafür, dass "Männlichkeit" keineswegs erst durch feministische Fragen und Infragestellungen zum Thema und variantenreich durchgespielt wurde.

 

Viele der im Folgenden angesprochenen Szenen des Films sind in diesem Trailer enthalten: